Ukiyo-e

Dari kiri atas:

• Beauty Looking Back, Moronobu, akhir abad ke-17
• Shibai Uki-e, Masanobu, ca 1741–1744
• Otani Oniji III, Sharaku, 1794
• Comb, Utamaro, 1798
• Hara, stasiun ke-13 dari The Fifty-three Stations of the Tōkaidō, Hiroshige, 1833–34
• Cuckoo and Azaleas, Hokusai, 1828
• Takiyasha the Witch and the Skeleton Spectre, Kuniyoshi, ca 1844

Ukiyo-e^[a] adalah salah satu genre seni Jepang yang berkembang pesat dari abad ke-17 hingga ke-19. Para senimannya menghasilkan cetak balok kayu dan lukisan dengan beragam tema, seperti kecantikan perempuan, aktor kabuki, pegulat sumo, adegan dari sejarah dan cerita rakyat, pemandangan alam, flora dan fauna, serta erotika. Istilah ukiyo-e (浮世絵code: ja is deprecated ) secara harfiah berarti 'gambar dunia yang mengapung'.

Pada tahun 1603, kota Edo (sekarang Tokyo) menjadi pusat kekuasaan Keshogunan Tokugawa. Kelas chōnin (pedagang, pengrajin, dan pekerja), yang berada di lapisan terbawah struktur sosial, paling banyak merasakan manfaat dari pertumbuhan ekonomi pesat kota tersebut. Mereka mulai menikmati dan mendukung hiburan seperti teater kabuki, geisha, dan wanita penghibur di distrik kesenangan. Istilah ukiyo ('dunia yang mengapung') kemudian digunakan untuk menggambarkan gaya hidup hedonis ini. Karya ukiyo-e yang dicetak atau dilukis sangat populer di kalangan kelas chōnin yang cukup makmur untuk menghiasi rumah mereka dengan karya seni tersebut.

Karya ukiyo-e paling awal muncul pada tahun 1670-an dengan lukisan dan cetakan monokromatik karya Hishikawa Moronobu yang menggambarkan perempuan cantik. Cetakan berwarna mulai diperkenalkan secara bertahap dan pada awalnya hanya digunakan untuk pesanan khusus. Pada 1740-an, seniman seperti Okumura Masanobu mulai menggunakan beberapa balok kayu untuk mencetak area berwarna. Pada 1760-an, kesuksesan cetakan berwarna penuh karya Suzuki Harunobu yang disebut "cetakan brokat" membuat produksi cetakan berwarna penuh menjadi standar, dengan sepuluh atau lebih balok kayu digunakan untuk menciptakan setiap cetakan. Beberapa seniman ukiyo-e lebih memilih untuk membuat lukisan, tetapi sebagian besar karya yang dihasilkan adalah cetakan. Para seniman jarang mengukir balok kayunya sendiri; produksi cetakan dibagi antara seniman yang mendesain, pengukir yang memotong balok kayu, pencetak yang mewarnai dan mencetak balok kayu ke atas kertas buatan tangan, serta penerbit yang membiayai, mempromosikan, dan mendistribusikan karya tersebut. Karena pencetakan dilakukan secara manual, para pencetak mampu menghasilkan efek yang sulit dicapai dengan mesin, seperti pengaburan atau gradasi warna pada balok cetak.

Karya potret kecantikan dan aktor yang diciptakan oleh seniman ternama seperti Torii Kiyonaga, Utamaro, dan Sharaku pada akhir abad ke-18 sangat dihargai oleh para kolektor. Pada abad ke-19, tradisi ukiyo-e dilanjutkan oleh seniman seperti Hokusai dengan karyanya yang terkenal The Great Wave off Kanagawa dan Hiroshige dengan The Fifty-three Stations of the Tōkaidō. Setelah kematian kedua seniman besar ini dan seiring dengan modernisasi sosial dan teknologi yang menyusul Restorasi Meiji pada tahun 1868, produksi ukiyo-e mengalami penurunan drastis.

Namun, pada abad ke-20, terjadi kebangkitan seni cetak Jepang melalui genre shin-hanga ('cetakan baru') yang memanfaatkan minat Barat terhadap cetakan yang menggambarkan pemandangan tradisional Jepang, serta gerakan sōsaku-hanga ('cetakan kreatif') yang mendukung karya-karya individualis yang dirancang, diukir, dan dicetak oleh satu seniman. Sejak akhir abad ke-20, cetakan-cetakan yang dihasilkan terus memiliki ciri khas individualis, seringkali menggunakan teknik yang diimpor dari Barat.

Ukiyo-e memiliki peran penting dalam membentuk persepsi Barat tentang seni Jepang pada akhir abad ke-19, terutama melalui pemandangan alam karya Hokusai dan Hiroshige. Sejak tahun 1870-an, tren Japonisme menjadi sangat menonjol dan memiliki pengaruh kuat pada seniman Impresionisme Prancis awal seperti Edgar Degas, Édouard Manet, dan Claude Monet, serta memengaruhi seniman Pascaimpresionis seperti Vincent van Gogh, dan seniman Art Nouveau seperti Henri de Toulouse-Lautrec.

Seni Jepang sejak zaman Heian (794–1185) berkembang melalui dua aliran utama: tradisi Yamato-e yang berfokus pada tema-tema lokal Jepang, seperti yang terlihat dalam karya-karya dari Sekolah Tosa; dan kara-e yang dipengaruhi oleh seni Tiongkok dalam berbagai gaya, seperti lukisan tinta hitam putih karya Sesshū Tōyō dan murid-muridnya. Sekolah Kanō menggabungkan ciri-ciri dari kedua tradisi ini.^[1]

Sejak zaman kuno, seni Jepang telah didukung oleh kalangan aristokrasi, pemerintahan militer, dan otoritas keagamaan.^[2] Hingga abad ke-16, kehidupan rakyat jelata jarang menjadi subjek utama dalam lukisan. Kalaupun muncul, karya-karya tersebut umumnya merupakan barang mewah yang dibuat untuk kalangan penguasa samurai dan pedagang kaya.^[3] Kemudian, muncullah karya-karya yang dibuat oleh dan untuk masyarakat kota, seperti lukisan monokrom sederhana yang menggambarkan perempuan cantik dan adegan dari teater serta distrik kesenangan. Sifat produksi manual dari karya-karya ini, yang dikenal sebagai shikomi-e (仕込絵code: ja is deprecated ), membatasi skala produksinya, hingga akhirnya keterbatasan ini diatasi dengan beralih ke cetakan balok kayu yang diproduksi massal.^[4]

Selama zaman Sengoku, yaitu masa perang saudara yang berkepanjangan pada abad ke-16, muncul kelas pedagang yang memiliki kekuasaan politik yang signifikan. Kelas ini dikenal sebagai machishū [ja], yang kemudian menjadi cikal bakal kelas chōnin pada zaman Edo. Mereka menjalin aliansi dengan pengadilan kekaisaran dan memiliki kekuasaan atas komunitas lokal; dukungan mereka terhadap seni mendorong kebangkitan seni klasik pada akhir abad ke-16 dan awal abad ke-17.^[5] Pada awal abad ke-17, Tokugawa Ieyasu (1543–1616) berhasil menyatukan Jepang dan diangkat sebagai shōgun yang memiliki kekuasaan tertinggi atas negeri tersebut. Ia membentuk pemerintahannya di desa Edo (sekarang Tokyo),^[6] dan mengharuskan para tuan tanah untuk berkumpul di sana setiap dua tahun sekali dengan membawa rombongan mereka. Kebutuhan ibu kota yang berkembang pesat menarik banyak pekerja laki-laki dari pedesaan, sehingga populasi laki-laki mencapai hampir tujuh puluh persen. Selama zaman Edo (1603–1867), populasi desa ini tumbuh dari sekitar 1.800 jiwa menjadi lebih dari satu juta pada abad ke-19.^[6]

Pemerintahan shogun yang terpusat mengakhiri kekuasaan machishū dan membagi masyarakat ke dalam empat kelas sosial, dengan samurai sebagai kelas penguasa dan pedagang di posisi terbawah. Meskipun kehilangan pengaruh politiknya,^[5] kelas pedagang justru paling diuntungkan oleh perkembangan ekonomi yang pesat pada masa Edo,^[7] dan peningkatan kesejahteraan mereka memungkinkan untuk menikmati waktu luang di distrik kesenangan—terutama di Yoshiwara di Edo^[6]—dan mengoleksi karya seni untuk menghiasi rumah mereka, yang pada masa sebelumnya masih di luar jangkauan finansial mereka.^[8] Pengalaman menikmati hiburan di distrik kesenangan terbuka bagi siapa saja yang memiliki kekayaan, sopan santun, dan pendidikan yang memadai.^[9]

Cetak balok kayu di Jepang pertama kali muncul pada masa Hyakumantō Darani sekitar tahun 770 Masehi. Hingga abad ke-17, teknik cetak ini hanya digunakan untuk segel dan gambar Buddha.^[10] Cetak huruf lepas mulai dikenal sekitar tahun 1600, tetapi karena sistem penulisan Jepang memerlukan sekitar 100.000 karakter huruf,^[b] ukiran teks pada balok kayu lebih efisien. Di Saga, Kyoto [ja], kaligrafer Hon'ami Kōetsu dan penerbit Suminokura Soan [ja] menggabungkan teks cetakan dan gambar dalam adaptasi Ise Monogatari (1608) dan karya sastra lainnya.^[11] Pada zaman Kan'ei (1624–1643), buku bergambar cerita rakyat yang dikenal sebagai tanrokubon ('buku jingga-hijau') adalah buku pertama yang diproduksi secara massal menggunakan teknik cetak balok kayu.^[10] Ilustrasi balok kayu terus berkembang sebagai penggambaran cerita dalam genre kanazōshi yang menggambarkan kehidupan urban hedonistik di ibu kota baru.^[12] Pembangunan kembali Edo setelah Kebakaran Besar Meireki pada tahun 1657 mempercepat modernisasi kota, dan penerbitan buku bergambar berkembang pesat di lingkungan urban yang cepat berubah ini.^[13]

Istilah ukiyo (浮世code: ja is deprecated ), yang berarti 'dunia yang mengapung', memiliki bunyi yang sama dengan istilah Buddhis kuno ukiyo (憂き世code: ja is deprecated ), yang berarti 'dunia penuh duka dan penderitaan'. Istilah baru ini kadang-kadang digunakan untuk merujuk pada makna 'erotis' atau 'bergaya', serta berbagai makna lainnya, dan kemudian digunakan untuk menggambarkan semangat hedonistik pada masa itu di kalangan kelas bawah. Asai Ryōi menggambarkan semangat ini dalam novel Ukiyo Monogatari (Kisah Dunia yang Mengapung, sekitar tahun 1661):^[14]

[H]idup hanya untuk saat ini, menikmati bulan, salju, bunga sakura, dan daun maple, bernyanyi, minum sake, dan bersenang-senang hanya dengan mengapung, tanpa khawatir akan kemiskinan yang mengintai, melayang dan tanpa beban, seperti labu yang terbawa arus sungai: inilah yang kita sebut ukiyo.

Seni ini berkembang dari tradisi lukisan Jepang.^[15] Pada abad ke-17, ada gaya lukisan yang disebut Yamato-e. Gaya ini menggunakan garis-garis untuk mengelilingi bentuk. Tinta diteteskan pada kertas basah dan menyebar hingga mencapai garis luar. Teknik ini kemudian menjadi ciri khas dalam ukiyo-e.^[16]

Sekitar tahun 1661, gulungan lukisan yang disebut Potret Kecantikan Kanbun menjadi populer. Lukisan-lukisan dari zaman Kanbun (1661–1673), yang kebanyakan tidak bertanda tangan, menandai awal ukiyo-e sebagai aliran seni yang mandiri.^[15] Seorang seniman bernama Iwasa Matabei (1578–1650) membuat karya yang mirip dengan ukiyo-e. Beberapa ahli percaya bahwa Matabei adalah pendiri ukiyo-e,^[17] terutama para peneliti dari Jepang.^[18] Kadang-kadang, Matabei dianggap sebagai seniman di balik Layar Hikone yang tidak bertanda tangan.^[19] Layar ini adalah byōbu atau layar lipat dan mungkin salah satu contoh ukiyo-e tertua. Layar ini menggunakan gaya Kanō yang halus dan menggambarkan kehidupan sehari-hari, bukan tema tradisional pada lukisan waktu itu.^[20]

Karena banyak orang menyukai ukiyo-e, Hishikawa Moronobu (1618–1694) mulai membuat cetakan balok kayu ukiyo-e pertama.^[15] Pada tahun 1672, ia menjadi ilustrator buku pertama yang menandatangani karyanya. Moronobu sangat produktif dan bekerja dalam banyak jenis seni. Ia menciptakan gaya yang berpengaruh dalam menggambar wanita cantik dan mulai membuat ilustrasi bukan hanya untuk buku, tetapi juga sebagai lembaran tunggal yang bisa berdiri sendiri atau menjadi bagian dari seri. Aliran Hishikawa menarik banyak pengikut,^[21] dan peniru Sugimura Jihei,^[22] sehingga menandai awal populernya seni ukiyo-e.^[23]

Setelah Moronobu meninggal, Torii Kiyonobu I dan Kaigetsudō Ando menjadi seniman terkenal yang mengikuti gayanya, meskipun mereka bukan bagian dari aliran Hishikawa. Keduanya tidak banyak menggambar latar belakang dan lebih fokus pada gambar orang. Kiyonobu menggambar yakusha-e, yaitu gambar aktor kabuki, dan memulai aliran Torii.^[24] Ando menggambar bijin-ga, yaitu gambar wanita cantik, dan memulai aliran Kaigetsudō. Ando dan pengikutnya membuat gambar wanita dengan desain dan pose yang sama, sehingga bisa dibuat dalam jumlah banyak.^[25] Popularitas mereka menciptakan permintaan tinggi yang dimanfaatkan oleh seniman lain.^[26] Aliran Kaigetsudō dan "kecantikan Kaigetsudō" berakhir setelah Ando diasingkan karena terlibat dalam Skandal Ejima-Ikushima pada tahun 1714.^[27]

Seorang seniman dari Kyoto, Nishikawa Sukenobu (1671–1750), dikenal karena lukisannya yang halus tentang wanita cantik.^[28] Ia dianggap sebagai ahli dalam membuat potret erotis. Pada tahun 1722, pemerintah melarang karyanya, tetapi banyak yang percaya ia terus berkarya dengan nama lain.^[29] Sukenobu menghabiskan banyak waktu di Edo, dan pengaruhnya besar di wilayah Kantō dan Kansai.^[28] Lukisan Miyagawa Chōshun (1683–1752) menampilkan kehidupan awal abad ke-18 dengan warna-warna lembut. Chōshun tidak membuat cetakan,^[30] tetapi aliran Miyagawa yang ia dirikan mengkhususkan diri dalam lukisan romantis dengan garis dan warna yang lebih halus dibandingkan aliran Kaigetsudō. Chōshun memberikan kebebasan berkarya yang lebih besar kepada murid-muridnya, termasuk Hokusai yang terkenal.^[26]

• Para perintis ukiyo-e
• 
  Potret berdiri seorang wanita penghibur

  Lukisan tinta dan warna di atas sutra, Kaigetsudō Ando, ca 1705–10
• 
  Potret para aktor

  Cetakan tangan berwarna

  Kiyonobu, 1714
• 
  Halaman cetakan dari Asakayama E-hon

  Sukenobu, 1739
• 
  Penari dan Musisi Ryukyu

  Lukisan tinta dan warna di atas sutra, Chōshun, ca 1718

Pada cetakan monokrom dan buku-buku paling awal, warna sering ditambahkan secara manual untuk pesanan khusus. Pada awal abad ke-18, permintaan akan warna dipenuhi dengan cetakan tan-e^[c] yang diwarnai tangan dengan oranye dan kadang-kadang hijau atau kuning.^[32] Tren penggunaan warna ini kemudian berkembang pada 1720-an dengan munculnya cetakan beni-e berwarna merah muda,^[d] diikuti oleh cetakan urushi-e yang menggunakan tinta menyerupai pernis. Pada tahun 1744, cetakan benizuri-e menjadi cetakan berwarna pertama yang dicetak dengan beberapa balok kayu—masing-masing balok untuk satu warna, menggunakan warna awal seperti merah muda beni dan hijau dari bahan alami.^[33]

Okumura Masanobu (1686–1764), seorang seniman dan pemasar ulung, memainkan peran penting dalam perkembangan teknik cetak yang pesat dari akhir abad ke-17 hingga pertengahan abad ke-18.^[33] Ia mendirikan toko pada tahun 1707^[34] dan menggabungkan berbagai gaya dari aliran seni kontemporer dalam berbagai genre, meskipun tidak bergabung dalam aliran seni tertentu. Inovasi karya-karyanya mencakup penggunaan perspektif geometris dalam genre uki-e^[e] pada tahun 1740-an,^[38] cetakan hashira-e yang panjang dan sempit, serta penggabungan elemen grafis dan sastra dalam cetakan yang disertai puisi haiku ciptaannya sendiri.^[39]

Ukiyo-e mencapai puncaknya pada akhir abad ke-18 dengan kemunculan cetakan berwarna penuh yang berkembang setelah Edo kembali makmur di bawah pemerintahan Tanuma Okitsugu.^[40] Cetakan-cetakan berwarna ini dikenal sebagai nishiki-e atau “gambar brokat,” karena warna-warnanya yang cerah dianggap mirip dengan brokat Shuchiang dari Tiongkok, yang dalam bahasa Jepang disebut Shokkō nishiki.^[41] Cetakan-cetakan pertama yang diproduksi adalah cetakan kalender mewah yang dicetak dengan beberapa balok kayu pada kertas berkualitas tinggi, menggunakan tinta tebal dan buram. Kalender ini menampilkan jumlah hari setiap bulan yang tersembunyi dalam desain dan dikirim sebagai salam Tahun Baru,^[f] dengan mencantumkan nama pemberi salam alih-alih seniman. Balok cetakan ini kemudian dipakai ulang untuk produksi komersial dengan mengganti nama pemberi salam dengan nama seniman.^[42]

Karya Suzuki Harunobu (1725–1770) merupakan cetakan awal yang menampilkan desain warna yang ekspresif dan kompleks,^[43] dicetak dengan hingga dua belas balok terpisah untuk berbagai warna^[44] dan gradasi.^[45] Cetakan-cetakannya yang lembut dan elegan mencerminkan gaya klasik puisi waka dan lukisan Yamato-e. Harunobu yang sangat produktif menjadi seniman ukiyo-e utama pada masanya.^[46] Sejak 1765, kesuksesan nishiki-e berwarna karya Harunobu menyebabkan penurunan minat pada cetakan benizuri-e dan urushi-e yang berpalet terbatas, serta pada cetakan yang diwarnai secara manual.^[44]

Setelah kematian Harunobu pada tahun 1770, muncul kecenderungan yang menolak idealisme cetakan Harunobu dan aliran Torii. Katsukawa Shunshō (1726–1793) dan alirannya menghasilkan potret para aktor kabuki dengan menampilkan ciri-ciri nyata sang aktor.^[47] Rekannya, Koryūsai (1735 – ca 1790) dan Kitao Shigemasa (1739–1820), dikenal dalam seni ukiyo-e yang berfokus pada mode urban masa itu serta menggambarkan para pelacur kelas atas dan geisha terkenal.^[48] Koryūsai, salah satu seniman ukiyo-e paling produktif abad ke-18, menghasilkan lebih banyak seri cetakan dan lukisan daripada seniman sebelumnya.^[49] Aliran Kitao, yang didirikan oleh Shigemasa, menjadi salah satu aliran berpengaruh pada dekade akhir abad ke-18.^[50]

Pada tahun 1770-an, Utagawa Toyoharu membuat beberapa cetakan perspektif uki-e^[51] yang menunjukkan penguasaan teknik perspektif Barat yang tidak dikuasai pendahulunya.^[35] Karya Toyoharu membantu memperkenalkan lanskap sebagai subjek ukiyo-e yang mandiri, bukan sekadar latar belakang untuk figur manusia.^[52] Pada abad ke-19, teknik perspektif Barat menyatu dalam budaya seni Jepang dan dipakai dalam karya lanskap yang halus dari seniman seperti Hokusai dan Hiroshige.^[53] Hiroshige, anggota aliran Utagawa yang didirikan oleh Toyoharu, menghasilkan karya dalam lebih banyak genre daripada aliran seni ukiyo-e lainnya,^[54] menjadikan aliran Utagawa salah satu yang paling berpengaruh di zamannya.^[55]

• Ukiyo-e Berwarna Awal
• 
  Two Lovers Beneath an Umbrella in the Snow (Dua Kekasih di Bawah Payung di Tengah Salju)

  Harunobu, ca 1767
• 
  Arashi Otohachi as Ippon Saemon

  Shunshō, 1768
• 
  Hinazuru of the Chōjiya

  Koryūsai, ca 1778–80
• 
  Geisha and a servant carrying her shamisen box (Geisha dan Pelayan Membawa Kotak Shamisen-nya)

  Shigemasa, 1777
• 
  Gambar Perspektif Tempat-Tempat di Jepang: Sanjūsangen-dō di Kyoto

  Toyoharu, ca 1772–1781

Meskipun akhir abad ke-18 ditandai oleh kesulitan ekonomi,^[56] seni ukiyo-e mencapai puncak dalam hal jumlah dan kualitas karya, terutama selama zaman Kansei (1789–1791).^[57] Pada masa Reformasi Kansei, ukiyo-e berfokus pada keindahan dan harmoni,^[50] namun seiring merosotnya reformasi dan meningkatnya ketegangan sosial, fokus ini berubah menjadi kemewahan dan ketidakharmonisan pada abad berikutnya, yang berpuncak pada Restorasi Meiji pada tahun 1868.^[57]

Pada tahun 1780-an, Torii Kiyonaga (1752–1815)^[50] dari aliran Torii^[57] menciptakan karya yang menggambarkan subjek-subjek tradisional ukiyo-e seperti perempuan cantik dan pemandangan perkotaan dalam cetakan besar, sering kali dalam format diptych atau triptych horizontal. Berbeda dengan gaya puitis Harunobu, Kiyonaga memilih pendekatan realis dengan menggambarkan sosok perempuan ideal dalam busana terbaru yang berpose di latar pemandangan indah.^[58] Ia juga menciptakan potret aktor kabuki dengan gaya realistis yang menampilkan musisi dan paduan suara pendamping.^[59]

Pada tahun 1790, sebuah undang-undang mulai mewajibkan cetakan untuk menampilkan segel persetujuan sensor agar dapat dijual. Sensor semakin tegas dalam dekade-dekade berikutnya, dan pelanggar bisa mendapat hukuman berat. Mulai tahun 1799, rancangan awal juga memerlukan persetujuan sensor.^[60] Pada tahun 1801, sekelompok seniman aliran Utagawa, termasuk Toyokuni, menghadapi penindasan atas karya mereka, dan Utamaro dipenjara pada tahun 1804 karena menggambarkan tokoh politik dan militer Toyotomi Hideyoshi.^[61]

Utamaro (ca 1753–1806) dikenal pada tahun 1790-an melalui karya bijin ōkubi-e ('potret wanita cantik berkepala besar') yang berfokus pada kepala dan bagian atas tubuh, sebuah gaya yang sebelumnya digunakan untuk potret aktor kabuki.^[62] Ia bereksperimen dengan garis, warna, dan teknik cetak untuk menampilkan perbedaan halus dalam ekspresi dan latar belakang subjek dari berbagai kelas dan latar belakang sosial. Potret Utamaro menonjol dengan penggambaran individu yang berbeda, kontras dengan citra ideal biasanya.^[63] Pada akhir dekade itu, terutama setelah kematian pelindungnya Tsutaya Jūzaburō pada tahun 1797, kualitas karyanya menurun,^[64] dan ia meninggal pada tahun 1806.^[65]

Sharaku adalah sosok misterius yang muncul tiba-tiba pada tahun 1794 dan menghilang sepuluh bulan kemudian. Karya-karyanya, yang menjadi salah satu karya ukiyo-e paling terkenal, menggambarkan potret aktor kabuki dengan realisme yang tinggi, menonjolkan perbedaan antara aktor dan karakter yang mereka perankan.^[66] Wajah-wajah ekspresif yang ditampilkan Sharaku kontras tajam dengan wajah tenang dan seperti topeng yang umum pada karya seniman seperti Harunobu dan Utamaro.^[45] Diterbitkan oleh Tsutaya,^[65] karya Sharaku mendapatkan penolakan, dan pada tahun 1795 produksinya terhenti secara misterius; identitas aslinya masih tidak diketahui.^[67] Utagawa Toyokuni (1769–1825) menciptakan potret kabuki dengan gaya yang lebih disukai warga Edo, dengan pose dramatis dan menghindari realisme yang diperkenalkan Sharaku.^[66]

zaman akhir abad ke-18 ditandai dengan kualitas karya yang konsisten tinggi, tetapi karya-karya Utamaro dan Sharaku sering kali membayangi seniman lainnya pada masa itu.^[65] Salah satu pengikut Kiyonaga,^[57] Eishi (1756–1829), meninggalkan posisinya sebagai pelukis resmi shōgun Tokugawa Ieharu untuk menekuni ukiyo-e. Potret pelacur yang elegan dan ramping menjadi ciri khas Eishi, dan ia meninggalkan sejumlah murid terkenal.^[65] Eishōsai Chōki (fl. 1786–1808) dikenal dengan potret pelacur lembut dan anggun yang digambarnya dengan garis halus. Pada masa ini, aliran Utagawa mulai mendominasi produksi ukiyo-e.^[68]

Edo adalah pusat utama produksi ukiyo-e sepanjang zaman Edo, sementara wilayah Kamigata (Kyoto dan Osaka) berkembang sebagai pusat lainnya. Berbeda dengan subjek ukiyo-e di Edo, cetakan Kamigata sebagian besar menggambarkan potret aktor kabuki. Gaya Kamigata tidak banyak berbeda dari gaya Edo hingga akhir abad ke-18, sebagian karena seniman sering berpindah antara kedua wilayah.^[69] Warna dalam cetakan Kamigata cenderung lebih lembut dengan pigmen yang lebih tebal dibandingkan cetakan Edo.^[70] Pada abad ke-19, banyak cetakan di Kamigata dibuat oleh penggemar kabuki dan seniman amatir.^[71]

• Para Master pada Masa Puncak
• 
  Cooling on Riverside (Bersantai di Tepi Sungai)

  Kiyonaga, ca 1785
• 
  Three Beauties of the Present Day (Tiga Wanita Cantik Masa Kini)

  Utamaro, ca 1793
• 
  Ichikawa Ebizo sebagai Takemura Sadanoshin

  Sharaku, 1794
• 
  Onoe Eisaburo I

  Toyokuni, ca 1800
• 
  Niwaka Festival in the Licensed Quarters (Festival Niwaka di Distrik Berlisensi)

  Chōki, ca 1800

Reformasi Tenpō pada tahun 1841–1843 berusaha menekan kemewahan, termasuk penggambaran pelacur dan aktor. Akibatnya, banyak seniman ukiyo-e beralih pada pemandangan perjalanan dan gambar alam, terutama burung dan bunga.^[72] Lanskap mulai mendapat perhatian sejak Moronobu, dan kemudian menjadi elemen penting dalam karya Kiyonaga dan Shunchō. Namun, genre ini baru benar-benar berkembang pada akhir zaman Edo, terutama melalui karya Hokusai dan Hiroshige. Meskipun genre lanskap baru berkembang pada masa akhir ukiyo-e, genre ini mendominasi persepsi Barat terhadap ukiyo-e.^[73] Lanskap Jepang berbeda dari tradisi Barat karena lebih menekankan pada imajinasi, komposisi, dan suasana dibandingkan penggambaran alam yang tegas.^[74]

Hokusai (1760–1849), yang menyebut dirinya sebagai "pelukis gila," dikenal karena karier panjangnya yang beragam. Karya-karyanya ditandai dengan absennya sentimentalitas khas ukiyo-e dan berfokus pada formalitas yang dipengaruhi seni Barat. Beberapa karyanya yang terkenal antara lain ilustrasi untuk novel Crescent Moon [ja] karya Takizawa Bakin, buku sketsa Hokusai Manga, dan serial Thirty-six Views of Mount Fuji,^[75] termasuk karya terkenalnya, The Great Wave off Kanagawa,^[76] salah satu karya seni Jepang paling ikonik.^[77] Berbeda dengan karya seniman sebelumnya, warna dalam karya Hokusai lebih tegas, datar, dan abstrak, dengan subjek yang menggambarkan kehidupan rakyat biasa.^[78] Pada 1830-an, seniman-seniman besar seperti Eisen, Kuniyoshi, dan Kunisada mengikuti jejak Hokusai dalam pembuatan cetakan lanskap yang kuat dalam komposisi dan efek.^[79]

Meskipun tidak sepopuler pendahulunya, aliran Utagawa menghasilkan beberapa seniman hebat pada zaman akhir ini. Kunisada (1786–1865) adalah salah satu seniman yang paling produktif dalam potret pelacur dan aktor.^[80] Saingannya, Eisen (1790–1848), juga mahir dalam menciptakan cetakan lanskap.^[81] Kuniyoshi (1797–1861), anggota penting aliran ini, menciptakan beragam tema dan gaya, mirip dengan Hokusai. Karya-karya pertempuran yang penuh kekerasan,^[82] terutama dari serial pahlawan